Consideraciones de ensayo

• El éxito de un ensayo depende de las habilidades del ensamble y las técnicas de ensayo del director.

• Cada director tiene un estilo de ensayo propio, que se puede construir a través de la imitación, la observación, la lectura y las clases.

Recomendaciones sobre:

Afinación y calentamiento

• Tradicionalmente el oboe toca la nota de afinación, que debería haber afinado antes.

• La nota de afinación debe ser fuerte, estable y con buen tono.

• Usando un nivel de dinámica medio, los instrumentos de viento-madera escuchan, cantan y afinan sus instrumentos primero con una La; luego los bronces hacen lo mismo con un Bb.

• Los procedimientos de calentamiento hacen que los estudiantes se enfoquen mentalmente y escuchen, se pueden usar varios estándares.

Lápices para marcar partituras

• Los lápices son importantes para hacer correcciones y se deben proporcionar.

Escucha interactiva

• Los estudiantes deben ser conscientes del papel/rol que juegan en la música. Ellos deben ser oyentes críticos y deben recordar esta responsabilidad todo el tiempo.

Ensayos iniciales y primera lectura de piezas

• Intente obtener una idea general de las piezas, esto permitiría una primera evaluación de las capacidades del ensamble y las partes que necesitan más atención.

• Considere que es la primera vez para los músicos y que necesitan tiempo para preparar sus partes, solo el director puede tener un conocimiento más completo de la música.

Desarrollo de un pulso interno: tocar sin el director

• Una de las bases para tocar juntos es estableciendo el pulso interno.

• Los músicos más maduros lo tienen, pero los estudiantes necesitan desarrollarlo tocando piezas sencillas en forma de marcha sin director.

Desarrollo de buena calidad de tono individual / sección / ensamble 

• Otro aspecto fundamental para establecer unidad es la calidad del tono.

• Los músicos deberían estar expuestos a excelentes estándares de calidad de tono. (Grabaciones, o en vivo).

• Cada estudiante requiere una audición sensible y crítica.

• Seccionales son la forma más eficiente y efectiva.

• Cada pieza tiene su propio estilo en cuanto a la calidad de tono.

• El director debe resolverlo y trabajar en darle forma.

• Se pueden lograr tonos, colores y texturas ajustando los niveles dinámicos de los instrumentos.

Entonación

• El tono sensible se puede desarrollar cantando, obligando luego a escuchar (audición interna) y tocar afinado.

• En bloques, la audición debe enfocarse hacia abajo, para afinar desde la nota más grave hasta la más aguda.

• Ayude a los estudiantes a descubrir las tendencias de tono de cada instrumento, déjelos trabajar en parejas (uno toca cresc y decres, el otro monitorea, y viceversa).

• "La buena entonación nunca debe ser basada en la proposición “yo estoy correcto, tu errado”; es un compromiso.

• Hacerlos practicar en grupos de cámara; es útil para su audición y afinación crítica.

Tempo

• Tenga en cuenta las indicaciones de tempo del compositor, editor y arreglistas; las de los compositores son más originales. Si el score no tiene marcas, haga las suyas.

• Existen opiniones divididas sobre la lealtad a las indicaciones de tempo, lo que se debe considerar es: ¿enfatiza el carácter? ¿se puede tocar?, ¿es muy difícil?, ¿es por la circunstancia correcta ?.

Ritmo

• La capacidad de todos los músicos para sentir un pulso interno y sus subdivisiones es la clave para una buena ejecución rítmica.

• La precisión rítmica y el control rítmico a largo plazo es una de las responsabilidades más importantes del director.

• Tenga en cuenta la cantidad de peso en las notas: notas largas = más peso, notas cortas = menos peso.

Balance y resonancia

• Una buena resonancia es el resultado de un buen equilibrio dentro y entre las secciones, se requiere una escucha crítica del director y los músicos.

• La dinámica debe mantenerse en niveles que permitan a los instrumentistas escucharse bien, especialmente aquellos bloques donde todos tienen un fuerte; algunos instrumentos necesitan ser ajustados, y de nuevo basados ​​en los sonidos graves (aumentar las tesituras inferiores).

• Cuando se acompaña a un solista, es necesario bajar un grado dinámico.

Técnica de conjunto/ensamble

• "La buena técnica del instrumentista es la base de una buena técnica de conjunto.

• Apoye a los estudiantes a tomar clases individuales; sino, pueden permitirles desarrollar su técnica individual durante los ensayos.

Articulación

• Las indicaciones de articulación se pueden interpretar de muchas maneras diferentes, el director debe decidir con precisión la forma deseada, para poder unificar y aclarar el estilo.

Fraseo

• Cada frase musical debe estar en formada con claridad musical, poder y desarrollo ideal.

• El fraseo debe basarse en consideraciones contextuales. La distribución adecuada de energía y dinámica.

• Las frases repetidas deben interpretarse de manera diferente, no seas monótono.

• Las frases largas se pueden lograr a través de "respiración escalonada/intercalada".

Dinámica / volumen y color / timbre

• Las dinámicas son vitales y no deben verse como adornos.

• El director debe decidir exactamente cómo desea cada dinámica (agresiva, suave, fría, etc.), en función del estilo y el contexto de la música.

• Insistir en que la dinámica se realice según lo indicado.

• Sé consciente de que "suave y pequeño es bonito también". Explota el potencial expresivo.

Interpretación

• Los directores no deben estampar su propia personalidad en todo, si el ensamble da algo mejor, debe adaptarse. Una presentación/concierto es una combinación de las ideas del entorno, del director y del músico.

• Se debe alentar al estudiante a que contribuya a la interpretación, ya que podría realizar pasajes de la manera que lo sienta.

Estilo

• El director debe expandir constantemente su conocimiento sobre estilos musicales, a través del estudio, la lectura, la escucha y asistir a clases magistrales.

Matiz

• Le da vida y expresividad a la música, pero deben usarse con cuidado.

• Sea equilibrado, no demasiado para faltarle el respeto a la idea del compositor, no demasiado poco para que haya falta de espíritu.

Ensayando pasajes difíciles

• Acérquese a ellos lentamente, para ganar agilidad y el tempo deseado.

• Aislar el ritmo y hacerlo en una sola nota, luego agregar más notas y hacer repeticiones.

Uso de ensayos seccionales

• Úselos para localizar secciones específicas (difíciles).

Creación de un ambiente "nosotros"

• Crear una relación fuerte, respetuosa, cooperativa y amistosa entre el director y el músico. Mejora la experiencia de hacer música, comunidad.

Respuesta a hacer música

• Aliente al estudiante a reaccionar ante la música bien hecha.

Aprendiendo una nueva forma de comunicación

• Permita que los estudiantes experimenten y aprendan a través de la comunicación no verbal, será un desafío pero no desista y enséñeles a reaccionar ante los gestos.

El maestro-director: dos roles

• Las estrategias de enseñanza utilizadas en un salón de clases no deben usarse al dirigir, deben abordarse de manera diferente, los procedimientos y el comportamiento.

• La enseñanza y la dirección se pueden realizar por una persona, pero en general emplea técnicas y procedimientos apropiados para el rol en el que estés funcionando.

Expectativas del director

• Los directores nunca deben aceptar "bueno" como "lo suficientemente bueno", ¡desafiate!

Expansión

• La creación de su música puede ser una gran experiencia para el ensamble.

• Los estudiantes pueden comenzar a escribir para su instrumento, usando lo que sea que sepan.

• Motivar su creatividad a través de proyectos de composición y presentaciones.

"Si la educación es el arte de abrir las mentes de las personas, entonces la función del director en el ensayo debe llamarse educativa, no en el sentido de enseñanza formal, sino de resaltar todas las mejores cualidades latentes en sus músicos". Max Rudolf.

Traducido con permiso

"Convirtiéndose en director" Capitulo XIII